EL CINE

Se llama cine o cinematografía a la tecnología que reproduce fotogramas de forma rápida y sucesiva creando la llamada “ilusión de movimiento”, es decir, la percepción visual de que se asiste a imágenes que se mueven. También se le dice cine al edificio o sala donde se proyectan las películas.

El término tiene la misma raíz griega que otras palabras como cinética, kinesiología y otras que se relacionan con el movimiento.

HISTORIA DEL CINE

El cinematógrafo nació en plena época industrial. Los hermanos Lumiére, que llevaban varios años en su invento y habiendo filmado ya más de un centenar de películas de un minuto, se decidieron a enseñar su invento al pueblo de París. Lo presentaron con temor, pues nunca tuvieron excesiva confianza en sus posibilidades artísticas ni menos económicas. Tras muchas negociaciones con diferentes locales, incluido el Folíes Bergéres, encontraron un sencillo local decorado al estilo oriental, el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos. Los Lumiére prefirieron una sala de reducidas dimensiones en razón de que si era un fracaso, pasaría inadvertido. El día de la representación, considerado oficialmente como el primer momento de la historia del cine fue el 28 de diciembre de 1895. Tal y cómo pensaron los organizadores, el primer día no fue especialmente extraordinario, pues acudieron solamente 35 personas. Bien cierto es que tampoco la publicidad fue excesiva y el cartel realizado a la rápida no fue muy significativo. Los Lumiére tuvieron la precaución (Gubern, 1989) de pegar en los cristales del Grand Café un cartel anunciador, para que los transeúntes desocupados pudieran leer lo que significaba aquel invento bautizado con el impronunciable nombre de cinematografíe Lumiére. La explicación, impresa en letra cursiva, resulta hoy un tanto pintoresca y barroca: «Este aparato -decía el texto- inventado por MM. Auguste y Louis Lumiére, permite recoger, en series de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera.». Según Georges Mèliés, que asistió a aquella función primera pues regentaba un estudio fotográfico en París y había tomado parte en algunas de las negociaciones para encontrar la sala, aunque al principio el ambiente era de gran escepticismo, cuando los espectadores vieron moviéndose los carruajes por las calles de Lyon, quedaron, cita Gubern, petrificados «boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que puede expresarse».

Sin embargo el pueblo parisiense, corrida la voz sobre aquel espectáculo maravilloso y espectacular, ya al segundo día llenó el salón y las colas recorrían el bulevar. Los diarios de París elogiaron aquel espectáculo insólito y los hermanos Lumiére tuvieron asegurada, a partir del segundo día, sus espectadores incondicionales.

Aunque los Hermanos Lumiére poseían un amplio stock de películas, en sus primeros tiempos siempre comenzaban por La salida de la fábrica Lumiére (La sortie des Usines Lumiére, a Lyon, 1895), que según sus historiadores fue su primera película y de paso hacían homenaje a su empresa. El repertorio lo componían películas familiares, sus hijos comiendo, o de la vida de las calles de Lyon, soldados haciendo la instrucción, y al ser Louis Lumiére muy buen fotógrafo no evitó la utilización de efectos como el humo en una herrería y las nubes de polvo en una demolición, que tuvieron inmenso éxito. No en balde la fotografía era la madre del cine y sus pioneros no evitaron el arte ya desde los comienzos.

Ya en los primeros momentos se hicieron famosas dos películas que dominaron en su show: Llegada del tren a la estación (L’arrivé d’un train en gare de la Ciotat, 1895) y El regador regado (L’arroseur arrosé, 1895), el primer film de humor, de un minuto, de la historia del cine.

La primera película que se considera rodada en España es Salida de misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza, en 1896, de Eduardo Jimeno.

PRIMEROS EXPONENTES DEL CINE

1.Los hermanos Lumiére: son considerados los padres del cine, ellos fueron los que inventaron el cinematógrafo primer aparato de cine. Se destacaron por obras como: la llega del tren a la estación (el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente) y la salida de unos obreros de la fabrica.

 2. George Melies: este le cambio el sentido a las películas ya que le dio un toque único, ya no se trataban relatos de la realidad sino que  eran narraciones de historias. Una de sus películas con las que más se le recuerda fue El viaje a la luna, en la que experimento y perfecciono el uso de trucos con la cámara para hacer y desaparecer las cosas o los objetos. 

3. David Wark Griffith: fue un director cinematográfico estadounidense considerado el creador de representación cinematográfica o montaje invisible, por lo que fue llamado “el padre del cine moderno”. Se destaco la producir la película Nacimiento de una nación. 

4. Chales Chaplin: fue un actor cómico, compositor, productor, director cinematográfico y escritor ingles, se  destaco durante la época del cine mudo y es considerado una de las figuras más representativas del humorismo. Filmo alrededor de noventa películas entre ellas tiempos modernos, el gran dictador, luces de la ciudad y la quimera del oro entre otras. 

   5. Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin: fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió  de inspiración para el cine posterior. Se destaco por el filme El acorazado de Potenkim.

CINE EUROPEO

Tras acabar la Segunda Guerra Mundial, Italia queda tan asolada que los cineastas salen a la calle para filmar la realidad. Probablemente, para disentir del tipo de comedia desenfadada que impuso el fascismo, así como por la necesidad de luz natural ante la falta de estudios y energía eléctrica. Lo cierto es que aparece otro tipo de cine: sencillo, humano, cotidiano, que se conocerá bajo el nombre de Neorrealismo Italiano.

FRANCIA

Lumière creó el invento, Mèliés el espectáculo y Charles Pathé la industria del cine al igual que la Gaumont. Pathé se pone a fabricar cinematógrafos y a organizar la producción, distribución y exhibición de películas a nivel mundial.

Pathè como empresario deja la creación artística a sus realizadores, entre ellos cabe destacar Ferdinand Zecca. Sus obras se caracterizan por su afán de realismo. Trata temas sociales, de raigambre popular. Algunas de sus obras son: Historia de un crimen (1901), Las víctimas del alcohol (1902) y La huelga (1903).

Otro empresario que le hace la competencia a Pathè en la industria del cine es León Gaumont. Al igual que Pathè, se dedicará a fabricar y vender aparatos como a la producción de películas.

Como empresario de la industria del cine, deja para la producción de películas a su secretaria Alice Guy, que se convertiría en la primera mujer directora de cine.

En 1908 llega la primera crisis en el cine. Todas las películas que se habían producido hasta entonces son repetitivas, los temas están agotados. El público del primer cine es un público que no pertenece a las esferas intelectuales que consideran el cine como un entretenimiento de barraca de feria. Además el cine empieza a hacerle competencia al teatro, por lo tanto entre estos dos sectores surge una colaboración que a ambos les interesa. Es así como surge el movimiento impulsado por los hermanos Laffite, donde la productora FILM D´ ÁRT produce El asesinato del Duque de Guisa. Este film supone un retroceso en la evolución de la expresión puramente cinematográfica, se retoma la estética teatral, según la cual la filmación se realiza en un único plano general y, no incorpora de ninguna manera efectos de montaje. Si que es verdad que a esta sesión empezó a ir un público más intelectual y arranca al cine de la barraca de feria y de la cervecería popular. Pathè y Gamount siguen este modelo. Aunque en Estados Unidos llega también esta tendencia, no podrá pararse los avances del lenguaje cinematográfico que se están desarrollando allí.

GRAN BRETAÑA

El inicio del cine en las Islas está relacionado con la Escuela de Brigthon que comienzan rodando películas al estilo de Lumière, pero que pronto abordan relatos cómicos, dramáticos o de fantasía donde utilizan recursos narrativos muy innovadores como es el intercambio de planos generales con otros de primer plano para el detalle, la sobre impresión, la panorámica o el travelling.En 1900 James Williamson produce Attack on a chinese mision station donde reconstruye un episodio de la rebelión de los boxers. La acción se traslada en cuatro escenarios diferentes a lo largo de cinco minutos, dando al relato una vivacidad y un sentido expresivo, alejándose así de la vida teatral de Mèliés. Este film supone un paso hacia una narrativa propiamente cinematográfica donde narra un suceso a través de planos y contraplanos con acciones paralelas. Mientras que la obra de Mèliés utiliza un único plano general donde la persecución se lleva a cabo en un mísmo escenario.

ESPAÑA

El cine llega a España a través de los operadores de la Casa Lumière, con el objetivo de proyectar películas y registrar nuevas vistas para el catálogo de la casa. El operador que llega es Eugene Promio. Este operador descubrió la filmación en panorámico al subir una cámara en una góndola por los canales de Venecia y filmar en movimiento.En 1897, Eduardo Jimeno rueda con una cámara de la casa Lumière Salida de la misa de doce del Pilar de Zaragoza.En 1902, el aragonés Segundo de Chomón, descubrió un sistema para animar objetos. También inventó los dibujos y los muñecos animados y la cámara sobre ruedas. Ideó un proceso para películas en color. En 1905 realiza el Hotel eléctrico película con trucos rodada por el procedimiento de “paso de manivela”que aplica el principio en que se basará el cine de animación. Fue el único que pudo competir con la espectacularidad de los trucos de Mèliés.

CINE EN ESTADOS UNIDOS

Los inicios del cine en Estados Unidos se lo debemos a Thomas Alva Edison (1847-1931). Ya desde pequeño le montaron en el sótano de su casa un pequeño laboratorio porque quería ser inventor. En su adolescencia fue un hábil vendedor de periódicos, telegrafista e inventor. Entre otros inventos, en 1889 inventó junto con William K.L. Dickson el Kinestoscopio (como resultado de la combinación de las palabras griegas Kineto=movimiento y scopos=ver), precursor del cinematógrafo e ideó el formato de película de 35 mm con perforaciones a ambos lados.

El Kinetoscopio era un aparato destinado a la visión individual de imágenes, pero no permitía su proyección sobre una pantalla. Era una caja de madera vertical con una serie de bobinas sobre la que corría la película en un bucle continuo.

En la primavera de 1895, Edison presentó un nuevo invento: el Quinetófono que es el resultado de unificar el sonido con la imagen, es decir, una película de quinetoscopio sincronizado por una correa con un fonógrafo. La primera película que se mostró en un quinetófono fue “Dickson experimental sound film”

En 1896, Edison continúa obteniendo muy buenos beneficios de la explotación de su Kinetoscopio, pero no así del quinetófono. Es entonces cuando decide lanzar un aparato de proyección (vitascopio) ante la competencia de Lumière. En 1897, ante la fuerte competencia de Lumière, sale una ley proteccionista en EE.UU que expulsan del mercado norteamericano a los operadores de Lumière.

A partir de 1897 surgen nuevas productoras, además de la EDISON CO, la BIOGRAPH CO, y la VITAGRAPH que copian y reproducen las películas europeas. En 1908 la EDISON  se hace con el control de toda la industria del cine en Norteamérica.En 1902 con Salvamento en un incendio podemos ver las primeras manifestaciones de un cine narrativo con primeros planos y secuencias de planos, alternacia de dos acciones paralelas. Aunque gran parte de la película aún está rodada cara a cara como si de un teatro se tratara.Aparecen producciones sobre la vida cotidiana americana con primeros planos y planos americanos que son planos de actores sin las piernas.

LA FOTOGRAFÍA 

La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto (luz) y grafos (escritura).

Por eso se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la captura de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen sería permanente después de haberla secado en la oscuridad.

LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO

A pesar de que se usa en la actualidad fotos a color, fotografías digitales y muchos programas para el montaje (como Photoshop), todavía se sigue usando la fotografía en blanco y negro, aunque con menor frecuencia. Algunas de las razones son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de la película y el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo fotógrafo. Eso se deba a que los laboratorios están automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial, muy personal. Por eso es importante enumerar las características de la fotografía en blanco y negro para conocer mejor sus diferenciar de la fotografía a color:

• Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta técnica se pueden observar mejor los detalles como volumen, luces, sombras, textura, profundidad, entre otros. En cambio, si fuese a color, estos detalles no se podrían observar con mejor claridad porque los que más resalta es el color mismo.
• Brinda más posibilidades que el color para que el fotógrafo haga su propia interpretación de la realidad.
• A partir del mismo negativo, el fotógrafo puede obtener imágenes muy distintas desde el punto de vista expresivo.
• Ofrece más posibilidades de intervención que el color. La fotografía se hace en dos etapas, la toma y la fase de revelado y tiraje. Por eso se comprende que en la actualidad los aficionados y los auténticos artistas de la fotografía suelan preferir el blanco y negro.

LA CÁMARA FOTOGRÁFICA

Se puede decir que una cámara fotográfica es una caja oscura que deja pasar la luz el tiempo preciso para que la imagen enfocada a través del objetivo sea registrada por un sensor digital o una película.

PARTES DE LA CÁMARA FOTOGRÁFICA 

Toda cámara fotográfica posee una abertura en su parte frontal y, en su parte posterior, el material que va a ser impresionado por la luz. Al mismo tiempo, está compuesta por:

• Caja o cuerpo de la cámara: Estuche cerrado a la luz que constituye el cuerpo de la cámara, valga la redundancia.
• Película. Material fotosensible que experimenta una alteración química cuando es iluminado. Esta modificación es la que guarda la información visual del objeto en cada fotografía. Hay diferentes tipos de películas y varios formatos que determinan las características requeridas del conjunto de rayos necesario.
• Diafragma: Dispositivo a base de laminillas móviles intercaladas, que se cierran un poco para dejar paso a la luz para que la película se pueda imprimir. El diafragma regula esa luz según unos números que pertenecen a las distintas aberturas. Cuanto mayor sea la apertura, dichos números son menores.
• Obturador: Regula el tiempo que actúa la luz sobre la película sensible. Existen dos tipos:

• Central: Cuando está situado en el propio objetivo
• De cortinilla o plano focal: Cuando está colocado ante la película, como parte de la propia cámara y no del objetivo. Corrientemente, cuanta más luz haya, menor será la abertura.

• Visor: Pequeña ventana para mirar por ella, puede tener una lente propia o utilizar un aparato que le permita ver a través del cuerpo de la cámara. Gracias a él, el fotógrafo ve y compone el tema,
• Objetivo: Reproduce, sobre la película, el motivo. Puede acoplarse a las cámaras. Hay de varios tipos, los cuales diferencia por su distancia focal:

• Los de 50 mm: Reproducen la imagen en sus proporciones reales. Son los más comunes.
• Los de foco largo o teleobjetivos: Tienen una distancia focal más larga que los objetivos corrientes y permiten "aproximar" los objetos lejanos.
• Gran angular: Posee una distancia focal menor que los usuales e incluye una mayor superficie del objeto, la gran mayoría de las veces con cierta deformación en sus extremos.
• El ojo de pez: Objetivo de gran angular de mínima distancia focal que deforma la imagen de forma exagerada, como consecuencia las líneas rectas se presentan curvadas y se estrechan los detalles de los bordes. Solamente suele aplicarse cuando se busca deliberadamente dicho efecto.
• Control de perspectiva: Corrigen la convergencia de líneas paralelas -distorsión común al resto de los objetivos- y se emplean sobretodo en la fotografía arquitectónica.
• Los zoom: Originalmente fueron usados en las cámaras cinematográficas. Pueden acercar o alejar la imagen que se desea fotografiar.
• Objetivo macro: Cuando se retratan objetos a muy corta distancia, se tiene la posibilidad de corregir las aberraciones ópticas.

• Teleobjetivos: Es necesario incrementar la amplificación (distancia focal) y la apertura del sistema cuando se procura fotografiar imágenes de objetos lejanos para que capte la máxima energía posible. Evitar las excesivas dimensiones de la cámara, se prepara una lente convergente y otra divergente. Esto permitirá que aún con una distancia focal grande, la imagen esté enfocada.
• Flash: Su función es iluminar objetos sin luz, o con luz insuficiente. El flash se desarrolló desde los primitivos sistemas que recurrían a la explosión de polvos de magnesio hasta las modernas bombillas y dispositivos electrónicos, que controlan la intensidad lumínica requerida.

Diafragma, obturador y lentes hacen posible la proyección de la imagen sobre el material sensible de una manera adecuada. Para que esto ocurra claramente es preciso ajustar la distancia entre las lentes del objetivo y la película, variable según la cercanía o alejamiento del objeto por fotografiar respecto de la cámara. Según esto, existe una relación numérica en el objetivo, a través de la cual el experto ajusta la imagen a la distancia. Algunas cámaras automáticas pueden realizar por sí solas esta operación.

También es primordial señalar otros elementos de la cámara, así como por ejemplo uno que está relacionado con el enfoque denominado profundidad de campo, que se vincula con el intervalo de distancias dentro del cual la imagen por fotografiar, la cual resulta bien definida en el enfoque. Ésta será menor cuanto más abierto esté el diafragma y mayor a medida que se cierre.

Otros elementos que pueden formar parte de la cámara son los filtros, que cambian la forma en que una película registra colores o valores tonales. Son discos de cristal y gelatina que se colocan delante del objetivo. A veces, están coloreados en función del efecto que se persigue. Hay otros de carácter especial, como los polarizados, que corrigen el efecto de los reflejos; los ultravioletas, que absorben los rayos ultravioletas; y los infrarrojos, que se usan para hacer visibles efectos pobremente iluminados para la visión común.

FOTOGRAFÍA SELFIE 

Un selfie es, en una palabra, un autorretrato. El término se usa por lo general en el mundo de Internet para referirse a una fotografía de autorretrato que se publica en línea. Es muy común encontrar selfies en blogs,redes sociales e Instagram. Para el viajero solitario, un selfie es un medio muy común para documentar los lugares que visita.

El selfie típico es una persona sosteniendo la cámara o dispositivo móvil a todo lo largo de su brazo, con el objetivo apuntando a sí mismo. La fotografía incluye parte del brazo, sin dejar duda de que se trata de un autorretrato.  También existe la modalidad de un autorretrato con la cámara apuntando hacia un espejo, incluso algunas versiones incluyen un reflejo de flash. Conforme se han popularizado más en el las redes sociales, los selfies han ido sofisticando más, al punto de que algunos no incluyen la cámara o móvil que tomó la fotografía.

Los selfies típicamente incluyen únicamente al fotógrafo. Existe una nueva modalidad, en la que se incluye a un grupo de gente, conocido como “selfie de grupo”, aunque el término no ha sido aceptado formalmente aún.

El número de autorretratos en línea ha crecido proporcionalmente a la popularidad de las redes sociales en combinación con la popularidad y diseminación del uso de dispositivos móviles que cuentan con cámara fotográfica. Incluso dichos dispositivos ya tienen funciones que hacen más fácil el tomar selfies.

El término selfie no es exclusivo para referirse a autorretratos en Internet, pero sí se popularizó con la publicación de éstos en línea. Por supuesto, la regla 34 es aplicable en este caso, siendo el típico ejemplo el fenómeno conocido como sexting, así como páginas que promueven selfies con connotación sexual, donde es muy común la toma frente al espejo, con el dispositivo móvil tapando la cara y poca ropa en el resto del cuerpo.

La motivación detrás de un selfie es difícil de puntualizar. Las razones que se citan más comúnmente son las siguientes:

• Llamar la atención de otras personas.
• Levantar la autoestima.
• Presumir logros o momentos.
• Como un mensaje para una persona en específico.
• Por diversión.

FOTOGRAFIAS DEL CARNAVAL DE BARRANQUILLA